TEDx天津大剧院 | 鲍释贤和他的音乐世界

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交响曲，绝对称得上是古典音乐的精神核心。在许多人眼中，交响曲与古典音乐这两个概念，直接可以划上等号。

「交响曲 (Symphony)」这个中文词语，翻译的非常漂亮。

它的希腊语词源，意为「和谐的编排（交）一组声音（响）」。

仔细看，这个词语中，并没有「曲」这个概念。事实也确实如此，这个词语最早指代的并不是音乐体裁，而是「具备同时发出多个声音（和声）功能的乐器」。

在不同国家，这个词儿指代的乐器种类也不尽相同。从16世纪开始，交响曲这个词儿开始在一些音乐作品题目中出现，用以表示共同发声之意。但它并不关注共同发声的是人声还是乐器，与我们今天所听到的交响曲，除了用词一样，并无太大关联。

在巴洛克早期，这个词语所指代的音乐体裁进一步泛化了，凡是多声部作品，没有其它更加合适的描述词汇时，就能说它是一部交响曲。
它可以指一部歌剧的器乐演奏部分、多声部的奏鸣曲、协奏曲等等。不过在这个时期，声乐作品已经不再包含在交响曲这个概念之中。

例如老巴赫一些键盘音乐作品题目中，你能看到 “Sinfonia” 这个单词，这个词就是意大利语中的交响曲。（严格说来，在这个时期，“Symphony”与“Sinfonia” 这两个词汇并不等同，这里就不展开描述了）
当然，我们并未将老巴赫的这些作品翻译成交响曲，这些作品通行的翻译方式是二、三部创意曲集 (Two- and Three-Part Inventions)。
毕竟它与我们今天听到的交响曲完全没有任何关系嘛！

就交响曲这种艺术形式而言，其精神内核要比外在形式重要的多。

回归「 交响曲 」的词源，人们希望这种艺术形式解决的根本技术问题，是如何让不同的声音和谐共鸣。

中世纪，在音乐领域占主导地位的体裁，是声乐作品。文艺复兴时期一个重要的进步，就是声乐开始与器乐结合，但在这个结合过程中，器乐演奏一直处于弱势地位。

音乐家们并没有知难而退，他们不断尝试，所有作品中的器乐合奏部分，都成了他们的试验田。比如歌剧的序曲，比如协奏曲开篇的「全奏」，他们试图以这些成熟的素材为基础进一步延伸扩展。

可问题又来了：交响曲，要写什么内容呢？意大利人着迷于优美的旋律，他们巴不得所有的音乐创作都是歌唱性的，于是他们用旋律回答了这个问题，即意大利风格。

真正赋予交响曲灵魂的，是古典主义。
当艺术家们为希腊罗马时期的文化遗产深深折服时，也开始反思自己的创作。卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（后文简称CPE巴赫），这位老巴赫的伟大儿子，是最早觉醒的音乐家之一。

他勇敢的向那个时代的轻浮宣战，在他1742年的作品「普鲁士奏鸣曲」中，音乐的风格焕然一新。清晰明朗、铿锵有力的音符，严谨的作品结构，完善的内在逻辑。这虽只是一部键盘音乐作品，却像是一部交响曲的钢琴缩编。一部作品完全可以不用管弦乐队演奏，只要它具备这种精神实质，我们就可以说它是交响风格的。

比如贝多芬的迪亚贝利变奏曲、柴可夫斯基的第一钢琴协奏曲等等。更为重要的，是C.P.E巴赫唤起了作曲家的艺术精神。

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